Los artistas también participaron en estos valores, incluso si no tenían una educación que pudiera competir con la de los literatos; sin embargo, gracias también a las colaboraciones oportunas y a las grandes habilidades técnicas aprendidas en el campo, sus trabajos suscitaron un gran interés en todos los niveles, eliminando las diferencias elitistas porque son más fáciles de usar que la literatura, escritas rigurosamente en latín. La noticia, propuesta a principios del siglo XV por maestros como Filippo Brunelleschi, Donatello y Masaccio, no fue aceptada inmediatamente por el cliente, de hecho permaneció al menos durante veinte años como un hecho artístico minoritario y en gran parte incomprendido, frente al ahora dominante internacional gótico. Contexto social y cultural Las escenas destinadas a las celdas de los monjes a menudo muestran a algunos santos dominicanos que son un ejemplo, con su actitud, del comportamiento que debe tomarse frente a cada episodio: meditación, compasión, humildad, postración, etc. Con la muerte repentina de Visconti en 1402 se aflojó el control militar sobre la ciudad, lo que permitió una recuperación económica, por efímera que fuera. Las decantaciones y revisiones también entre disciplinas artísticas muy diferentes fueron frecuentes y estimulantes, como el uso como motivo del arte del orfebre de reproducciones en miniatura de la linterna de Santa Maria del Fiore (por ejemplo, en la Croce del Tesoro di San Giovanni, en Museo dell’Opera del Duomo di Firenze, y en numerosos otros relicarios, candelabros y custodias). Surgió como resultado de una progresiva apertura de las ciudades de la época ante el comercio. El ciclo del Renacimiento florentino, después de los comienzos de los primeros veinte años del siglo XV, se extendió con entusiasmo hasta mediados de siglo, con experimentos basados en un enfoque técnico-práctico; la segunda fase tuvo lugar en la época de Lorenzo el Magnífico, desde alrededor de 1450 hasta su muerte en 1492, y se caracterizó por una disposición más intelectualista de conquistas. Mujeres que inspiraron el arte del Renacimiento florentino. El Señorío de los Medici En las décadas centrales del siglo, los escultores a menudo se inspiraban en los principios de Copia et Varietas, teorizados por Alberti, que incluían repeticiones de modelos similares con ligeras variaciones y evoluciones, con el fin de satisfacer el gusto articulado del cliente. Dos genios del Renacimiento italiano en Florencia. Medicis: mecenas del renacimiento florentino . El ciclo del Renacimiento florentino, después de los comienzos de los primeros veinte años del siglo XV, se extendió con entusiasmo hasta mediados de siglo, con experimentos basados en un enfoque técnico-práctico; la segunda fase tuvo lugar en la época de Lorenzo el Magnífico, desde alrededor de 1450 hasta su muerte en 1492, y se caracterizó por una disposición más intelectualista de conquistas. Si, por un lado, la presencia de reglas matemáticas hacía de la perspectiva una cuestión objetiva, por otro, las elecciones que determinaban estas reglas eran de naturaleza perfectamente subjetiva, como la posición del punto de fuga, la distancia desde el observador, la altura del horizonte En última instancia, la perspectiva renacentista no es más que una convención representativa, que hoy está tan profundamente arraigada que parece natural, incluso si algunos movimientos del siglo XIX como el cubismo han demostrado que es solo una ilusión. Después del colapso económico y social de mediados del siglo XIV (causado por quiebras bancarias, plaga negra, hambruna y feroces conflictos civiles), que culminó con el Tumulto de Ciompi de 1378, Florencia comenzaba una recuperación. En el Púlpito de la Pasión (1460-1466), escenas como la Lamentación y la Deposición muestran un rechazo de las reglas de la perspectiva, el orden y la armonía, bajo el estandarte del expresionismo aún más vivo que en los relieves de Padua. La luz no arroja plásticamente las figuras creadas por fundición, como en Masaccio, pero parece envolver las figuras a partir del dibujo, en un claroscuro que devuelve el relieve de una manera más amortiguada. Efectos similares se confirman en la Visita de Carmignano, un poco más tarde (1528-1529). Cada artista se dedicó, más o menos conscientemente, a uno de los dos caminos, a pesar de que el que prevaleció fue el segundo. Neoplatonismo: búsqueda del ideal por medio de la proporción y la armonía. A partir de 1524, el trabajo en la sacristía se entrelazó con el de otro gran proyecto en San Lorenzo, el de la biblioteca Medicea Laurenziana, encargado por Clemente VII. Repudio de elementos decorativos y retorno a la esencialidad. Aún más innovador es el Pala Pucci (1518), donde la estructura típica de la conversación sagrada está alterada, con la disposición de las figuras a lo largo de líneas diagonales, con expresiones cargadas que continúan la búsqueda de “afectos” iniciados por Leonardo. Contexto social y cultural El Renacimiento nació oficialmente en Florencia, una ciudad que a menudo se conoce como su cuna. Renacimiento … Esto contrasta con los violentos contrastes de plástico y el fuerte impulso vertical del vestíbulo. La última fase, datable entre 1490 y 1520, se llama renacimiento “maduro”, y ve la presencia en Florencia de tres genes absolutos de arte, que influyeron en las generaciones venideras: Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti y Raffaello Sanzio. Alberti pertenecía a una de las más ilustres familias florentinas, que había sufrido el exilio y la discriminación durante años, siendo finalmente rehabilitada hacia 1430. La célula básica de la producción artística seguía siendo, de hecho, el taller, que era un lugar de producción, comercio y formación al mismo tiempo. De regreso en Florencia, profundizó el diálogo con Pontormo y Rosso, perfeccionando las sutilezas ejecutivas y el tratamiento del color, que ahora se vuelve brillante y transparente, con combinaciones atrevidas y disonantes. A las certezas del mundo ptolemaico, se sustituyeron las incertidumbres de lo desconocido, la voluble Fortuna se alternó con la fe en la Providencia, y la responsabilidad de la autodeterminación implicó la angustia de la duda, del error y del fracaso. Entre ellos destaca Piero di Cosimo, el último gran artista del arte florentino, desde Filippo Lippi hasta Botticelli y Ghirlandaio. Los escritos teóricos de Leon Battista Alberti desempeñaron un papel fundamental, ya que en De picturahe retrató la figura de un artista educado, culto y hábil que dominaba todas las fases del trabajo en persona, desde la idea hasta la traducción en el artefacto , cuidando todos los detalles. También en el templo del Santo Sepulcro, monumento funerario de Giovanni Rucellai, Alberti utilizó las incrustaciones de mármol de la tradición románica florentina, creando una estructura estrictamente clásica con dimensiones basadas en la proporción áurea. Los artesanos aspiraban a desvincularse de la figura del trabajador manual, que produce objetos a comisión (“artesano”), a favor de una concepción más intelectual y creativa de su trabajo, que aspiraba a ser parte de las “artes liberales”. Entre los ejemplos se encuentran el retablo de la Coronación de la Virgen de Louvre y su predela, donde los ritmos y las simetrías típicamente góticas se actualizan mediante una composición espacial virtuosística de un color brillante, más rica en reflejos y sombras, que da volumen e investiga los materiales con sensibilidad El interés por la rendición de los fenómenos luminosos llevó al Angélico, en su fase madura, a abandonar la iluminación indistinta y genérica en favor de una representación más atenta y racional de luces y sombras, donde cada superficie se identifica por su “brillo” específico . Arte y experiencia en el Quattrocento. Tiene como espacio cronológico todo el siglo XV, es el denominado Quattrocento, y comprende el Renacimiento temprano que se desarrolla en Italia.El Quattrocento (cuatrocientos, los años del … Las arquitecturas de Miguel Ángel en San Lorenzo tuvieron una enorme influencia en la cultura artística de la época porque, como también recordó Vasari, introdujeron el tema de las “licencias” en el lenguaje arquitectónico clásico. El efecto general es variado y elegante, debido a la vibración de la luz entre las áreas claras y lisas (pilastras) y las oscuras (aberturas, ranuras de la oxidación). Los aspectos más destacados de la escultura del Alto Renacimiento incluyen: Piedad (1500, San Pedro, Roma) y David de Miguel Ángel (1501-4, originalmente ubicado en el Piazza della Signoria, Florencia, ahora en la Academia de las Artes de la ciudad). La población reanudó su crecimiento y, bajo el dominio de la oligarquía minera de la clase media alta, se reabrieron las obras públicas interrumpidas en la ciudad. Aula virtual. Descubre a los artistas del Renacimiento más destacados de una de las épocas más gloriosas en cuanto a la pintura, la escultura o la música se refiere. aquí también las paredes y el diseño especular del techo y el piso crean una exploración geométrica rítmica del espacio. En la segunda categoría de productos se tomaron a menudo, simplificándolos y vulgarándolos, las innovaciones de las obras más importantes y originales: incluso las soluciones más audazmente innovadoras, después de un cierto período de tiempo, se sometieron a este proceso de asimilación y difusión, convirtiéndose en parte de el repertorio común. Un viaje a Venecia enriqueció su paleta, como se puede ver en obras como el retablo del Eterno en gloria entre los santos Magdalena y Catalina de Siena (1508), de elocuencia austera y serena. Filippo Lippi tuvo una profunda influencia en los artistas florentinos posteriores, poniendo el énfasis sobre todo en la sofisticación de las posturas con un dominio virtuoso del contorno. Más tarde, el Renacimiento se convirtió en el lenguaje figurativo más apreciado y comenzó a transmitirse a otras cortes italianas (en primer lugar, la papal de Roma) y luego a las europeas, gracias a los movimientos de los artistas. La oportunidad de un viaje a Roma le permitió ver las obras de Miguel Ángel y Rafael en el Vaticano, lo que, según Vasari, lo dejó con problemas: desde entonces su estilo se ha vuelto contra sí mismo, disminuyendo el vigor y el entusiasmo innovador. La arquitectura florentina A fines del año 1417, Martín V, patricio romano de la familia de los Colonna, elegido Papa en Basilea, decidía trasladar a Roma la Corte pontificia que residía en Aviñón. En 1515, la solemne visita del Papa León X (Giovanni de ‘Medici, hijo de Lorenzo el Magnífico) en su ciudad natal marcó la restauración del pleno dominio de los Médicis después del paréntesis republicano, el penúltimo. La última fase, datable entre 1490 y 1520, se llama renacimiento “maduro”, y ve la presencia en Florencia de tres genes absolutos de arte, que influyeron en las generaciones venideras: Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti y Raffaello Sanzio. En 1527, el Sacco di Roma fue la ocasión de una nueva rebelión contra los Médicis, pero con el asedio de Florencia de 1529-30, la república florentina finalmente se puso fin, que desde entonces se convirtió en un ducado en las firmes manos de Cosimo I de ‘Medici, entonces Gran Duque después de la sangrienta conquista de Siena. El origen del arte del Renacimiento se da en la ciudad de Florencia. Esta empresa golpeó al pontífice que, poco después, prohibió una competencia para realizar otra fachada inacabada, la de la iglesia patreonata por los Medici, San Lorenzo. Con la muerte de Lorenzo se abrió una era de crisis y replanteamiento, dominada por la figura de Girolamo Savonarola, quien tras la expulsión de Piero el Fatuo restableció la República y creó un estado de inspiración teocrática. En el matrimonio místico de Santa Catalina de Siena (1511), se reanudó el esquema de la Virgen del Baldaquino de Rafael, aumentando la monumentalidad de las figuras y variando más las actitudes de los personajes. La arquitect… investigación “Arte y Sociedad en los Siglos XV y XVI”, que abarca temáticas vinculadas a la Historia Social del Arte de dicho período. La renovación cultural y científica comenzó en las últimas décadas del siglo XIV y principios del siglo XV en Florencia y se basó en el redescubrimiento de los clásicos, que ya comenzó en el siglo XIV por Francesco Petrarca y otros estudiosos. Las nuevas generaciones de pintores no pueden ignorar la comparación con los grandes y sus obras que quedan en la ciudad: Leonardo, Miguel Ángel y Rafael necesariamente hacen escuela, pero también hay tendencias a superar su ejemplo, poniendo el acento en otras características, hasta casi exasperarlos. El ojo lucha por distinguir a los protagonistas en la masa palpitante de los personajes, mientras la composición corta sin escrúpulos pasajes enteros, como los ladrones en la cruz de los que solo se ven los pies, dando el efecto de un espacio infinitamente indeterminado, que amplifica, dramáticamente pathos de la escena. Con el regreso de Cosimo de ‘Medici del exilio de hecho (1434), la República había entrado en una fase de continuación formal pero de profundo cambio sustancial, con la centralización de facto del poder en manos de Cosimo a través de una estrategia sutil y prudente de alianzas y control de las magistraturas por hombres de confianza, que nunca lo vieron involucrado en el gobierno de la ciudad. Sin embargo, es un error imaginar un lenguaje triunfal avanzado del Renacimiento que proceda contra una cultura esclerótica y moribunda, como lo establece una historiografía ahora desactualizada: el gótico tardío era un lenguaje vivo como nunca antes, que en algunos países era apreciado mucho más allá del siglo XV, y la nueva propuesta florentina fue inicialmente solo una alternativa de una minoría clara, inaudita e incomprendida durante los últimos veinte años en la propia Florencia, como lo demostró, por ejemplo, el éxito en esos años de artistas como Gentile da Fabriano o Lorenzo Ghiberti . Andrea del Castagno Entre estos, el más característico fue ciertamente el de la perspectiva céntrica lineal, construida según un método matemático-geométrico y mensurable, desarrollado a principios de siglo por Filippo Brunelleschi. Con elementos clásicos (portales, marcos, órdenes superpuestos en los capiteles) elementos fusionados de la tradición medieval, como el bugnato y las ventanas geminadas. Julio 2020. La era de Lorenzo el Magnífico (en el poder desde 1469 hasta 1492), después de un comienzo crítico con la conspiración Pazzi, fue más tarde una era de paz, prosperidad y grandes logros culturales para la ciudad, que se convirtió en una de las más refinadas de Italia y en Europa, exportando sus ideales a los otros centros de la península gracias al envío de artistas y escritores en “embajadores culturales”: emblemática es la primera decoración de la Capilla Sixtina llevada a cabo por un “grupo” de artistas provenientes de Florencia (Botticelli) , Ghirlandaio, Perugino, etc.). Las acciones contadas fluyen y son cuidadosas para restaurar la verdad humana de los personajes. Por otro lado, los florentinos estaban más que nunca listos para mantener su independencia, nutriendo un fuerte orgullo cívico que apelaba al lema histórico de Libertas. El proyecto, que también incluía un vasto aparato escultórico tanto en mármol como en bronce, se encargó a finales de 1517, pero una serie de elecciones y eventos (principalmente relacionados con problemas con las canteras elegidas para el suministro de piedra) ralentizaron el trabajo y al mismo tiempo, hizo aumentar los costos. La elección del modelo nórdico, aunque ahora muy popular en el norte de Italia, supuso en este caso también un significado de ruptura controvertida hacia la tradición renacentista florentina, así como una apreciación velada de las nuevas ideas de reforma que venían de Alemania, como era no falta criticar a la “Contrarreforma” Giorgio Vasari. Arquitectura del Renacimiento o renacentista es aquella diseñada y construida durante el período artístico del Renacimiento europeo, que abarcó los siglos XV y XVI. Sin embargo, en el auge estaba la amenaza de Gian Galeazzo Visconti, que había rodeado a Florencia en el proyecto de crear un Estado-nación en Italia bajo el gobierno de Milán. Filippo Lippi fue otro pintor que sufrió muchas influencias, incluida la flamenca. Los nuevos temas eran, en cualquier caso, patrimonio de una pequeña élite, que disfrutaba de una educación diseñada para un futuro en oficinas públicas. Mantenerme informad@ Sí, deseo recibir información sobre futuras actividades: conferencias, cursos, visitas guiadas... No, gracias, sólo quiero información de esta actividad específica. A pesar de su conocida prudencia, comenzó un ascenso gradual al poder, que nunca vio protagonista directo, pero siempre en segunda línea detrás de los hombres de su estrecha confianza. La capilla es el mejor ejemplo de ese gusto típico de Florencia en las décadas centrales, vinculado a la variedad de materiales, técnicas, formas expresivas y referencias culturales, que en conjunto crean un efecto elegante y sutilmente escenográfico. Andrea del Castagno desarrolló una pintura rigurosa, inspirada en rasgos que hasta entonces habían sido poco seguidos por Masaccio y Donatello, como el claroscuro plástico, acentuado y más dramático por el uso de colores más contrastantes, y el realismo de las fisonomías y las actitudes, a veces exagerado hasta llegar a resultados expresionistas. Primera mitad del siglo XV No sintió la exigencia de representar lo cósmico ni lo sobrenatural. Alrededor de 1515 participó en la decoración de la Cámara nupcial Borgherini, con vivos esquemas narrativos, seguida en 1517 por su obra maestra, la Madonna delle Arpie, con colores diáfanos y monumentalidad hábilmente medida, sin recurrir al forzamiento anatómico de sus colegas más jóvenes. Una constante fue la práctica del dibujo, independientemente de la disciplina artística imperante en la que se especializaría. El Renacimiento veneciano fue una de las declinaciones fundamentales del Renacimiento italiano. Los artistas también participaron en estos valores, incluso si no tenían una educación que pudiera competir con la de los literatos; sin embargo, gracias también a las colaboraciones oportunas y a las grandes habilidades técnicas aprendidas en el campo, sus trabajos suscitaron un gran interés en todos los niveles, eliminando las diferencias elitistas porque son más fáciles de usar que la literatura, escritas rigurosamente en latín. Así creó las estatuas de los dos duques, deliberadamente clásicas e ideales, sin interés en el retrato dado, y cuatro Allegories of Time, figuras expansivas de la noche, del día, del crepúsculo y de la aurora, complemantari para el tema y pose, además de la Madonna Medici. Las tumbas, más que apoyarse una contra otra, se relacionan dinámicamente con las paredes, con las estatuas acomodadas por nichos que toman la forma de los nichos sobre las puertas y ventanas. [3] Florencia se vio sacudida por violentos movimientos sociales y políticos, que incluyeron el ascenso y caída de Savonarola y la expulsión de los Médici . La primera figura importante de la dinastía Medici fue Cosimo de ’Medici (1389-1464). El tema general es el de la supervivencia de la dinastía de los Medici con el paso del tiempo y la comodidad ofrecida por la religión (la Virgen) a la que se dirigen los ojos de los dos duques para siempre. Rosso Fiorentino . Experimentador de nuevas iconografías y diferentes técnicas, dio su primera evidencia de valor en el Quiostrino de los Votos de la Santísima Annunziata y en el claustro de Scalzo en Florencia, este último condujo a monocromo. A principios de siglo, los artistas de la ciudad tenían dos opciones principales: adherencia al estilo gótico internacional o una recuperación más rigurosa de las formas clásicas, para otros siempre se hizo eco en el arte florentino desde el siglo XII. Su conferencia, apenas implementada en Florencia, fue la base para el desarrollo de la escuela de Ferrara. Renacimiento florentino en el siglo XV EL MEDIO FLORENTINO: ESCULTURA El arte medieval con su valor narrativo es un arte transcendental; el renacimeinto al contrario nos ofrece obras que nos proporcionanunpolacer puramente estetico. Fra Angelico Involucrado en todas las innovaciones de esos años, también emprendió una profunda renovación de la tradición, abordando una recuperación original de la deformación expresiva, casi caricaturesca, recordando sugerencias que se pueden encontrar en las obras de Filippino Lippi y Piero di Cosimo. Alto renacimiento florentino. La noticia, propuesta a principios del siglo XV por maestros como Filippo Brunelleschi, Donatello y Masaccio, no fue aceptada inmediatamente por el cliente, de hecho permaneció al menos durante veinte años como un hecho artístico minoritario y en gran parte incomprendido, frente al ahora dominante internacional gótico. Cada decoración contribuye a escenificar el “triunfo sobrenatural” del cardenal. Los ideales de los humanistas, sin embargo, fueron compartidos por la mayor parte de la sociedad mercantil y artesanal burguesa, sobre todo porque se reflejaron efectivamente en la vida cotidiana, bajo la bandera del pragmatismo, el individualismo, la competitividad, la legitimidad de la riqueza y la exaltación. Al menos tres fueron los elementos esenciales del nuevo estilo: Formulación de las reglas de la perspectiva céntrica lineal, que organizó el espacio en conjunto; Una serie de mapas visuales que os ayudarán a fijar las bases de vuestra comprensión y conocimiento de esta primera etapa del Renacimiento italiano, cuidando, además, de no perder de vista el marco general del Renacimiento y sus diferentes etapas. Arte bajo Piero de ‘Medici ... socavando para siempre ese sistema de certezas que había sido la principal suposición del arte del Renacimiento temprano. Esta desventaja, más sufrimiento y atemorización, reapareció cada vez que el frágil equilibrio económico, social y político fracasó, quitando el apoyo a los ideales. A diferencia de Andrea del Sarto, su alumno Pontormo comenzó una labor sistemática de renovación de los esquemas de composición tradicionales, casi sin prejuicios, como se ve en sus tablas para la Cámara Nupcial de Borgherini: mucho más complejo que en sus colegas es la organización espacial y narrativa de los episodios, como José en Egipto. La facilidad de aplicación, que no requería conocimiento geométrico de refinamiento particular, fue uno de los factores clave en el éxito del método, que fue adoptado por los talleres con una cierta elasticidad y con formas no siempre ortodoxas. En efecto, fue a partir del Renacimiento -y precisamente en Florencia- cuando los artistas importantes empezaron a ser colmados de honores y considerados intelectuales como los hombres de letras, en lugar de pertenecientes a un oficio manual, que es la categoría social en la que estuvieron encuadrados durante la Edad Media. Donatello se encontró tan aislado en su propia ciudad y recibió la última comisión (los dos púlpitos de San Lorenzo) gracias a la intervención directa de Cosimo de ‘Medici, que era un admirador suyo desde hace mucho tiempo. Un punto en común es, en cambio, la mejora de la tradición local, aprovechando la historia de la construcción individual y racionalizando los elementos existentes, para obtener algo extremadamente moderno pero enraizado en el lugar específico. Las estatuas de ajuar de los ríos, los relieves de bronce y los frescos que probablemente debían documentar las lunetos nunca se realizaron. La creación de grandes aparatos efímeros contó con la participación de los mejores artistas activos de la ciudad, incluidos Jacopo Sansovino y Andrea del Sarto, que fueron los responsables de la construcción de una fachada efímera de la catedral inacabada. NÁDIA GALBIATIC RAMOS. También para Andrea del Sarto, el punto de partida fueron las obras de los tres “genios” en Florencia, a pesar de la formación en el taller de Piero di Cosimo. Atención al hombre como individuo, tanto en fisonomía y anatomía como en la representación de emociones En estas escenas, las figuras humanas y su dinamismo dominan la representación, con profundos destellos de la arquitectura, construidos con múltiples puntos de fuga, que acentúan la sensación de movimiento. Naty Sánchez Ortega Los Fedeli d'Amore. Podemos dividir el arte renacentista en tres etapas: Proto-Renacimiento – 1280-1400. Bajo el hijo de Cosimo, Piero de ‘Medici, el gusto por el intelectualismo se acentuó aún más, con un menor énfasis en las obras públicas en favor de un gusto orientado principalmente hacia colecciones de objetos preciosos y a menudo diminutos (gemas, antigüedades, tapices), buscados tanto por su valor intrínseco como por su condición de objetos raros que demostraron prestigio social. Piero, que debe su apodo a su maestro Cosimo Rosselli, era un artista ingenioso dotado de una imaginación extrema, capaz de crear obras singulares y extrañas. Una primera suspensión de la obra se produjo a la muerte del Papa (1521), y de nuevo, a pesar de la recuperación con la elección de Clemente VII, en el siglo Giulio de ‘Medici, un segundo arresto con el saqueo de Roma (1527) y el último establecimiento republicano en Florencia, que vio al propio artista profundamente involucrado. La secularización trajo consigo la laicización del saber, es decir, la posibilidad de cultivar y promover el conocimiento entre los sectores civiles, fuera del d… La ciudad de Florencia, junto con la ciudad de Roma habían sido los reductos más persistentes de la tradición clásica durante la etapa de la Pintura del Doecento, caracterizada por sus acentos bizantinos que dominaba el arte de la pintura en la Italia del Duocento. Algunos detalles, como la tarjeta que cuelga en la base del trono, son inequívocamente flamencos. El Renacimiento nació oficialmente en Florencia, una ciudad que a menudo se conoce como su cuna. de la vida activa. Florencia ahora era la cabeza de un estado regional de Toscana. La preparación teórica se limitó a unas pocas nociones básicas de las matemáticas y la geometría y se dejó principalmente a la buena voluntad del individuo. El ciclo del Renacimiento florentino, después de los comienzos de los primeros veinte años del siglo XV, se extendió con entusiasmo hasta mediados de siglo, con experimentos basados en un enfoque técnico-práctico; la segunda fase tuvo lugar en la época de Lorenzo el Magnífico, desde alrededor de 1450 hasta su muerte en 1492, y se caracterizó por una disposición más intelectualista de conquistas. Ya en 1520, una carta del artista, junto con el pesar por el saqueo de la gran empresa de la fachada, recuerda cómo los estudios para la capilla funeraria ya habían comenzado. Ascendido al trono papal con el nombre del Papa León X (1513), gobernó desde Roma a través de algunos familiares la inquieta ciudad. El Renacimiento nació oficialmente en Florencia, una ciudad que a menudo se conoce como su cuna. La perspectiva céntrica lineal es solo una forma de representación de la realidad, pero su carácter fue particularmente consonante con la mentalidad del hombre del Renacimiento, ya que dio lugar a un orden racional del espacio, de acuerdo con los criterios establecidos por los propios artistas. Con el asedio de Florencia en la reanudación de la ciudad por los Medici (1530), Miguel Ángel se vio obligado a reanudar el proyecto para los clientes en disputa, y se dedicó a ello con ímpetu casi frenético hasta su partida final a Roma, en 1534. Filippo Lippi Caracteristicas El resultado es un intelectualismo muy fino, enigmático y sutilmente buscado. Muchos artistas permanecieron influenciados por el fraile Ferrara y desde entonces se abstuvieron de crear obras de inspiración profana (como Botticelli y el joven Miguel Ángel), a veces incluso destruyendo su propia producción frontal comprometida (como Fra Bartolomeo).
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